Author Archives: Städtisches Museum Göttingen

14. Juni 2019

Kirsche, Erdbeere, Vogel und Hund

Ein Bild und seine versteckten Botschaften

Das 1732 datiert Bild zeigt ein etwa fünf Jahre altes Mädchen. Es steht im Zentrum des Bildes auf einem schwarz-weiß gekachelten Boden. In der rechten Hand hält es Kirschen und auf der linken Hand sitzt ein kleiner Vogel – genauer gesagt ein Bluthänfling. Diese Tiere waren damals wegen ihres Gesangs sehr beliebte Volierenvögel. Darüber hinaus symbolisiert der Bluthänfling auf Kinderbildern die Seele oder den Geist des Kindes. Ein weiteres Tier ist auf dem Bild zu sehen, ein kleiner schwarz-weißer Hund, ein Phalène. Diese Hunderasse war besonders verspielt und freundlich und ebenfalls als Haustier beliebt. Seit dem 13. Jahrhundert wird dieser Hund in Verbindung mit adeligen Personen auf Portraits abgebildet. Auf einem Tisch neben dem Mädchen ist eine Fruchtschale mit Kirschen, Stachelbeeren, Erdbeeren und Johannisbeeren zu entdecken.

Diese Beigaben, auch Attribute genannt, sind nicht zur Dekoration auf dem Bild. Sie sind wegen ihrer Bedeutung, ihrer Symbolik ausgesucht worden. Früher war diese Bedeutung allen bekannt, so dass die BetrachterInnen des Bildes diese Bildsprache lesen und verstehen konnten. Blumen, hier an der Kopfbedeckung des Kindes, galten als Symbole der Liebe im Allgemeinen. Früchte hingegen waren gemeinhin ein Symbol der Fruchtbarkeit. Kirschen galten als paradiesische Frucht, aber auch als Symbol der Tugend. Hunde dagegen waren ein Symbol der Erziehung, aber auch der Treue.

So ist dieses Bild vielleicht als sogenanntes Brautbild entstanden. Um Adelshäuser miteinander zu verbinden, wurden früher nicht selten Kinder schon in jungen Jahren einander versprochen. Eine andere Deutung ist aber auch möglich: Vielleicht ist dies das Bildnis eines frühverstorbenen Kindes und der kleine Vogel verkörpert die Seele des Mädchens?

Leider haben wir bislang keine weiteren Angabe zu dem Portrait in den Unterlagen des Museums finden können. Wir wissen nicht, wann und wie es ins Haus gekommen ist, oder wer es dem Museum überlassen hat. Zwar zeigt das Bild eine Signatur, sie konnte aber bisher nicht entziffert werden. Auch eine Untersuchung mit Infrarotstrahlen hat keine weiteren Erkenntnisse gebracht.    Dieses älteste Ölgemälde eines Kindes im Bestand des Museums konnte diese Woche nach fünfmonatiger Restaurierung der Öffentlichkeit vorgestellt werden. Möglich wurde die dringend notwendige Restaurierung an dem zuvor stark geschädigten Bild durch die Unterstützung der Fielmann AG. Dankenswerterweise hat Herr Jürgen Ostwald, Fielmann AG, selbst Kunsthistoriker und Kenner des Barock, die Restaurierung dieses Bildes initiiert. Gemeinsam mit seiner Kollegin Melina Kliebisch, Fielmann Göttingen, und der Diplomrestauratorin Viola Bothmann, die dieses Bild fachkundig und aufwendig restauriert hat, konnte er es nun dem Museum wieder übergeben. Da wir es aufgrund der stockenden Sanierung zur Zeit nicht ausstellen können, zeigen wir es hier, im Blog, unserer digitalen Ausstellungsfläche.

v. l. Melina Kriebisch (Fielmann AG), Jürgen Ostwald (Fielmann AG), Viola Bothmann (Restauratorin), Ernst Böhme (Museumsleiter), Andrea Rechenberg (Kuratorin)

(Andrea Rechenberg, Kuratorin)

07. Juni 2019

Gold gäb ich für Eisen… oder wie war das nochmal?

Die Magie eines „unedlen“ Metalls

Ich habe mal wieder in meine Lieblings Wundertüte geschaut – unseren Schmuckschrank. Diesmal fiel mir ein Karton mit filigranen und doch recht schweren Schmuckstücken ins Auge – allesamt schwarz. Um welches Metall es sich hier wohl handelt? Silber ist es nicht, Gold oder Platin sowieso nicht. Es ist Eisen! Doch wann trug man Schmuck aus Eisen?

Tatsächlich war Eisenschmuck bereits in der Antike beliebt. Während der Römischen Kaiserzeit (27 v. Chr. bis 284 n. Chr.) wurden dem Metall, das oft zu Ringen verarbeitet wurde,  magische Kräfte nachgesagt. Es sollte der Trägerin oder dem Träger in allen Zufällen des Lebens „kaltes Blut“ bewahren.

Ein regelrechtes „Revival“ erlebte der Eisenschmuck Anfang des 19. Jahrhunderts. Aus dieser Zeit stammt der Schmuck in unserer Sammlung. Zunächst vermutlich in England als günstiges Ersatzmaterial verwendet, wurde Eisen bald europaweit zum „Trendmaterial“ in der Schmuckherstellung. Die bekannteste Eisengießerei des 19. Jahrhunderts ist die Königlich Preußische Eisengießerei, weshalb der dort hergestellte Eisenschmuck auch oft als Berliner Eisen bezeichnet wird. Bei der Herstellung wird entweder flüssiges Eisen in Formen gegossen oder dünne Eisendräte werden in die gewünschte Form gebogen. So entstehen klare filigrane Konturen die in Verbindung mit der zurückhaltenden Farbe vor allem dem Geschmack des Bürgertums entsprachen, zu dessen wichtigsten Tugenden Bescheidenheit zählte – frei nach dem Motto „weniger ist mehr“. Stilistisch wurde neben Rückgriffen auf die antike Formensprache (Antike: ca. 800 v. Chr. – ca. 600 n. Chr.), auch aus dem gotischen Formenrepertoire geschöpft (Gotik: ca. 1150-1500). Oft wurden die Schmuckstücke mit mythologischen Figuren oder Bildnismedaillons berühmter Persönlichkeiten versehen. Das Portrait einer Person ist auf Schmuckstücken aus dem frühen 19. Jahrhunderts besonders häufig zu finden: das der 1810 verstorbenen preußischen Königin Luise (Vgl. Abb. 4). Während der Befreiungskriege (1813-1815) wurde Schmuck aus dem festen Material, das auch für Standhaftigkeit und Unerschütterlichkeit steht, häufig als Trauerschmuck getragen. Als die weiblichen Mitglieder des Königshauses – allen voran Prinzessin Marianne von Preußen – die Bevölkerung dazu aufriefen, ihren Goldschmuck als Spende zur Finanzierung des Kriegs abzugeben, erhielten die zahlreichen Spenderinnen Broschen oder Ringe aus Eisen, mit der Inschrift „Gold gab ich für Eisen“(Das im Übrigen wurde auch im 1. Weltkrieg praktiziert. Doch das ist eine andere Geschichte).

Nach Ende der Befreiungskriege geriet Eisenschmuck nicht aus der Mode. In dieser Zeit der wiedererwachenden Frömmigkeit waren besonders Kreuzanhänger aus Eisen weiterhin sehr beliebt. Diese wurden als Symbol des Glaubens noch bis Mitte des Jahrhunderts oft an einer langen Kette um den Hals getragen.

Die im Städtischen Museum bewahrten Schmuckstücke wurden größtenteils zwischen 1815 und 1840 in der unweit entfernten Eisengießerei zu Rübeland im Harz hergestellt. Neben Halsketten, Anhängern und Broschen, sind hier auch Ohrringe, Hutschnallen und Strickhaken aus Eisen zu finden, an denen die vielfältigen Möglichkeiten dieses unterschätzten „unedlen“ Metalls deutlich werden. Als Fazit kann festgehalten werden, dass Eisenschmuck keineswegs „unedel“ ist. Und einmal mehr zeigt sich: auch in den kleinsten und vermeintlich banalsten Dingen im Museum steckt oft eine Menge Geschichte, die es sich zu entdecken lohnt.

 

Abb. 1: Brosche, Eisenguss, 1820-1830; Abb. 2: Ohrhänger mit gusseisernen Rosenranken auf polierten Stahlplättchen, um 1815;  Abb. 3: Halskette, Eisengießerei zu Rübeland, um 1815; Abb. 4: Detail zu Abb.3: Anhänger mit Bildnismedaillon der Königin Luise, Eisenguss auf poliertem Stahl, Golddraht

(Izabela Mihaljevic, wiss. Mitarbeiterin)

 

 

31. Mai 2019

„An die ferne Geliebte“

„An die ferne Geliebte“ ist der Titel eines Liederzyklus Ludwig van Beethovens. „An die ferne Geliebte“ ist genauer gesagt der Titel des ersten Liederzyklus überhaupt in der Musikgeschichte. Und „An die ferne Geliebte“ war der Titel eines Konzerts im Städtischen Museum mit diesem Zyklus und anderen Liedern Beethovens. Beethoven, der Schöpfer der großen Symphonien, beherrschte auch die „kleine Form“ des Liedes in genialer Weise.

Von dieser großen Kunst Beethovens – vorgetragen von der Mezzosopranistin Susanne Krumbiegel und Michael Schäfer am Ritmüller-Tafelklavier – ließen sich auch die Konzert-Besucher am letzten Samstag im intimen Rahmen des Museums verzaubern. Wobei es der Wirkung dieser Lieder keinen Abbruch tut, dass Beethoven wie bei seiner Musik, so auch bei den Liedtexten nur mit dem Besten zufrieden war: Fünf der vorgetragenen Lieder stammten von Johann Wolfgang von Goethe, darunter das bekannte „Kennst du das Land, wo die Zitronen blüh´n“ und das „Mailied“, das wohl erste bedeutende Gedicht Goethes.

Der Liederzyklus „An die ferne Geliebte“ war übrigens nicht einer Geliebten des Komponisten, sondern wahrscheinlich dem Andenken an Maria Karoline gewidmet, der früh verstorbenen Frau des Fürsten Joseph von Lobkowitz.

(Ernst Böhme, Museumsleiter)

 

17. Mai 2019

Goldmuscheln, Zeitreisen und  schwungvolle Rhythmen

Bald ist Internationaler Museumstag!

Am kommenden Sonntag ist wieder Internationaler Museumstag, und wie gewohnt ist nicht nur der Museumseintritt für jeden frei, es geht auch mal wieder so richtig die Post ab!

Ab 11.00 Uhr sind die kleinsten zu einer spannenden Mitmachaktion eingeladen. Kinder von 8-14 Jahren können mit der am Museum tätigen Restauratorin Viola Bothmann die Technik des Vergoldens kennenlernen und sie auch gleich selbst anwenden.

Die Vergoldungsaktion steht im Zeichen der Jakobsmuschel. Findet ihr sie im Museum? Und was hat es damit auf sich? Wer es herausfindet, erhält eine Belohnung!

Um 13.00 Uhr begeben wir uns mit Rainer Driever bei einer Führung durch die aktuelle Sonderausstellung Der Rote Sonnabend. Facetten und Folgen der Novemberrevolution 1918 in Göttingen 100 Jahre in die Vergangenheit – eine dramatische Zeit in der überkommene politische und gesellschaftliche Ordnungen zusammenbrechen. Wir hören und sehen, wie die Göttinger Bürgerinnen und Bürger die Ereignisse, wie das Kriegsende und die Revolution, empfunden haben, und wie das kulturelle Leben wieder aufblühte.

Anschließend, ab 15.00 Uhr, sonnen wir uns im Glanz der goldenen 20er, der seine Spuren, wenn auch nur bescheiden, auch in Göttingen hinterließ. Die Swinging Amatörs lassen die „Roaring 20’s“ mit schwungvollen Rythmen weder lebendig werden.

Zeitgleich, ebenfalls ab 15.00 Uhr, entführt Museumsleiter Ernst Böhme geschichtshungrige Museumsbesucher bei einer Führung durch die Ausstellung Stadt. Macht. Glaube ins Göttingen des 16. Jahrhunderts. Wie haben die Menschen hier vor 500 Jahren gelebt? Woran haben sie geglaubt? Wer hatte die Macht in der Stadt? Und welche Ereignisse und Erfindungen beeinflussten die Geschichte nachhaltig? Hier gibt es Antworten auf alle diese Fragen…

Wir wünschen viel Vergnügen!

(Izabela Mihaljevic, wiss. Mitarbeiterin)

10. Mai 2019

Flasche oder Fläschchen ?

Das ist hier die Frage…,denn bei der Inventarisierung im Museum sollen Verkleinerungsformen wie „Fläschchen“ als Objektbezeichnungen möglichst vermieden werden. Dennoch entschieden wir uns fürs Fläschchen, im besonderen Fall das Riechfläschchen, da es sich hier um eine feststehende Objektbezeichnung handelt.

In der Literatur ist es an prominenter Stelle zu finden – beispielsweise in Goethes Faust. So ruft Gretchen in der Szene vor dem Dom „Nachbarin! Euer Fläschchen!“ (Regieanweisung: fällt in Ohnmacht). Das mit Riechsalz gefüllte Zierfläschchen, im Pompadour oder in der Gewandtasche der Dame diskret verwahrt, sollte stets schnell zur Hand sein, um Abhilfe zu schaffen. Gretchen zu jung und, wie wir wissen, zu unerfahren, bittet die ehrbare Nachbarin darum.

In meiner Schulausgabe des „Faust“, dem sog. Trunz, als Pflichtlektüre 1960 am Gymnasium für Mädchen (heute Hainberg- Gymnasium), steht zur besagten Zeile (3834) folgender Kommentar:„Jahrhunderte haben nicht nur psychische, sondern auch physische Eigenheiten; zu denen des 18. Jahrhunderts gehören die häufigen Ohnmachten. Man trug als Gegenmittel Riechfläschchen bei sich. Gretchens Ruf sagt nur: „ich werde ohnmächtig“ und bedient sich dabei einer Wendung, die damals häufig vorkam….“

Verschwiegen wird hier schamhaft der eigentliche Grund für diese häufigen Ohnmachten im 18. Jahrhundert: Die durch die Mode vorgeschrieben engen Korsetts und Schnürungen ließen den Frauen buchstäblich keine Luft zum Atmen mehr!

Die hübschen Flacons waren mit stark riechenden Substanzen, sogenannten Riechsalzen, gefüllt und wurden zur Belebung bei Schwindel und Ohnmachtsanfällen unter die Nase gehalten.

Wenn wir den Gebrauch unterschiedlicher Fläschchen bis in unsere Zeit verfolgen, können wir feststellen, dass in fast jeder Epoche „Mittelchen“ für mehr oder weniger starke Unpässlichkeiten und Zustände zur Verfügung standen: Da wären zunächst die sehr verbreiteten HOFFMANNS TROPFEN (Ätherweingeist / oder Spiritus aethereus) als Stimulans des Zentralnervensystems, den Kreislauf anregend – schon Mitte des 19. Jahrhundert sehr in Mode; die starkwirksamen, rezeptpflichtigen OPIUMTROPFEN  (u.a. gegen Reisediarrhöe),  die DREIERLEI TROPFEN (Baldriantinktur, Pfefferminzöl und Spiritus)  als Magenmittel bei Völlegefühl etc. in den beginnenden Wirtschaftswunderzeiten, und später die RESCUE TROPFEN der Bachblütentherapie bei Erregung und Panik aus der alternativen Pflanzenheilkunde. Das alles waren besondere Flüssigkeiten, hergestellt in den Apotheken und dort lose abgefüllt in Tropffläschchen, bis sie von Fertigarzneimitteln verdrängt und ersetzt wurden.

Fast zwei Jahrhunderte hindurch hielten (meist) Frauen diese Art Fläschchen, abgefüllt in der Apotheke, neben dem Parfümflacon in ihren Handtaschen für den „Notfall“ bereit, ganz dem besseren Wohlbefinden, dem Zeitgeist und Lebensgefühl entsprechend.

 

Abb.1: Riechfläschchen, Kristallglas und Metall, 18./19. Jh.; Abb.2: Das Riechfläschchen in Aktion: Marguerite Gérard, “Schlechte Nachrichten“, 1804, Louvre, Paris (Bildnachweis: Pascal3012); Abb. 3: Riechfläschchen, Elfenbein und Silber, verm.18. Jh.; Abb.4: Riechfläschchen, Milchglas und Messing, 18./19. Jh.

 

(Ulla Kayser, ehrenamtliche Mitarbeiterin)

 

 

03. Mai 2019

„Neue Köpfe – Neue Themen“

Das Museum auf dem 4. Niedersächsischen Archivtag

Am vergangenen Montag und Dienstag hat der 4. Niedersächsische Archivtag stattgefunden. Gastgeber war diesmal das Stadtarchiv bzw. die Stadt Göttingen in Zusammenarbeit mit dem Institut für historische Landesforschung der Georg-August-Universität.

Unter dem Motto „Neue Köpfe, neue Themen – Herausforderungen für die Archive im 21. Jahrhundert“ standen unterschiedliche Themen zur Zukunft des Archivwesens im Mittelpunkt. Neben Sektionen zur Nachwuchsgewinnung und Digitalisierung beschäftigte sich eine von Dr. Ernst Böhme, Museums- und Archivleiter, moderierte Arbeitssitzung mit dem Thema Provenienzforschung.

Frau Dr. Johann, wissenschaftliche Mitarbeiterin im Provenienzforschungsprojekt des Museums, berichtete in einem Vortrag über ihre Tätigkeit. Sie betonte die enorme Bedeutung einer guten Zusammenarbeit von Archiven und Museen, gerade für die Provenienzforschung.

Auch das Netzwerk Provenienzforschung  des Landes Niedersachsen stellte sich auf dem Archivtag vor. Hier können sich Provenienzforscherinnen und -forscher über Ihre Arbeit austauschen und so von der Expertise und den Forschungsergebnissen der anderen profitieren.

 

(Izabela Mihaljevic, wiss. Mitarbeiterin)

 

 

26. April 2019

Don Quijote de la Mancha

In meinem abwechslungsreichen und lehrreichen Praktikum begegnete ich allerlei kulturellen Schätzen. Ich war gerade dabei, für die Ausstellung zur Provenienzforschung Unter Verdacht im September 2019 einige Zuarbeit zu leisten, als ich auf ein eindrucksvolles Gemälde stieß. Unter dem Titel „Don Quichotte“ ist der ehrenwerte Ritter des Malers Hermann Hirsch in der Lost Art-Datenbank zu finden. Hermann Hirsch war ein jüdischer Maler, welcher sich 1934 unter dem NS-Regime das Leben nahm. Da seine Familie bereits aus Deutschland verdrängt wurde, ersteigerte die Stadt seinen verbliebenen Besitz 1941. Da der Verbleib des Besitzes Hermann Hirschs ein Thema der Ausstellung sein wird, möchte ich auf Don Quijote zu sprechen kommen.

El ingenioso higaldo Don Quixote de la Mancha von Miguel de Cervantes, zu Deutsch Der geniale Junker Don Quijote von der Mancha, ist eine Parodie auf Ritterromane des 17. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit waren Ritterromane, die überschwängliche und immer absurder werdende Fantasien als wahre Geschichten verkauften, in Spanien en vogue. Natürlich wusste jeder halbwegs gebildete Leser, dass es sich um rein fiktive Werke handelte. Der Witz des Don Quijote besteht nun darin, dass der Protagonist des Romans, ein kleiner Landadeliger aus der Mancha, diesen Ritterromanen Glauben schenkt und ihnen nacheifert. Fortan nennt er sich Don Quijote, zieht gerüstet mit rostigem Harnisch und einem Helm aus Papier durch das Land. Offensichtlich hat unser lieber Ritter einen kräftigen Dachschaden. Doch das hält ihn nicht davon ab, ja animiert ihn geradezu das längst ausgestorbene Rittertum auszuleben. Neben dem ‚Ritterschlag‘ in einer verkommenen Schenke und dem ritterlichen Hofieren von Prostituierten, zählt der tapfere Kampf gegen Windmühlen zu den witzigsten Geschichten in Don Quijote. Im Vorwort, ein spottender Text über Anleihen von lateinischen Ausdrücken bei zeitgenössischen Autoren – ein Bericht über silberne Zungen und verbrannte Gehirne – gibt Miguel de Cervantes sein Übriges. Durch die Kombination von fiktiven Rittergeschichten und realistischen Handlungsabläufen gelang de Cervantes ein höchst amüsanter Roman von historischem Wert. Mit Don Quijote schuf de Cervantes den ersten modernen Roman.

Neben vielen weiteren Autoren greift Hermann Hesse 1927 in Der Steppenwolf die Ideen de Cervantes‘ auf. Der fünfzigjährige Protagonist Harry Haller fühlt sich im Umfeld der zwanziger Jahre nicht wohl. Als Liebhaber von Mozart, Goethe und den hohen Künsten fühlt er sich in der Banalität seiner Zeit gefangen. Parallel zur Kulturkritik spielt auch Reue eine wichtige Rolle. Seine Verachtung gegenüber der Gesellschaft hat verhindert, dass Haller sich ein gutes Leben aufbauen konnte. Der beruflose und heimatlose Herumtreiber trauert seinen verpassten Chancen hinterher. Hier spannen sich einige Parallelen zu Goethes Faust auf. In den Überlegungen zu diesen Selbstzweifeln ergibt sich die Frage, ob sein Lebenslauf eine reine „Don Quijoterie“ war, ein Versuch, in einer nicht existenten Welt zu leben.

Hirsch malte Don Quijote in aufrechter Pose. Seine Haltung ist voller Würde und Anmut. Die restliche Welt erblasst im Hintergrund. Nach dem Vorbild des Romans ist er sich seiner Illusion nicht bewusst. So stehen Don Quijote und Der Steppenwolf gegensätzlich und doch ähnlich zueinander. Sie bilden ein Paar wie Tragödie und Komödie.

(Max Rosemann, studentischer Praktikant)

12. April 2019

Ein besonderes Geschenk

Letzten Freitag  hatten wir Ihnen mal wieder ein Rätsel aufgegeben. Nun lüften wir das Geheimnis.

Sie ahnten es sicher schon: bei dem Objekt handelt es sich nicht um ein Kunstwerk. Es ist jedoch umso wertvoller, da ein bekannter Göttinger Künstler wahrscheinlich täglich damit arbeitete. Dieser Künstler ist Gottfried Stein und das ist seine Mal- bzw. Mischpalette! – Sozusagen der materialisierte “magische Moment“, in dem aus der Symbiose einzelner Farbkleckse Kunst entsteht.

Gottfried Stein (1915-1999) wurde in Göttingen geboren und studierte an der Werkkunstschule Kassel und an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin. 1946 kehrte er, nach einer langen Kriegsgefangenschaft in Frankreich, nach Göttingen zurück. Hier wurde er zu einem gesuchten Porträtmaler, der bald auch über die Grenzen seiner Heimatstadt hinaus Bekanntheit erlangte.

Unter anderem porträtierte er viermal den Nobelpreisträger Otto Hahn, Prinz Louis Ferdinand von Preußen, den früheren Bundespräsidenten Richard von Weizsäcker, zahlreiche Göttinger Professoren, den früheren niedersächsischen Ministerpräsident Georg Diederichs, den Schauspieler Eberhard Müller-Elmau, sowie viele weitere bedeutende Persönlichkeiten aus Göttingen und der ganzen Bundesrepublik. Erst letztes Jahr hat das Museum ein Porträt von Gina Wurm, einer Enkelin des Gründers des Göttinger Tageblatts Theodor Wurm, aus den 1950er Jahren übernommen, die Stein in Pastell gezeichnet hat. Neben Personen, malte Stein aber auch  Landschaften des Göttinger Umlandes.

Steins Stil lässt Einflüsse des deutschen Impressionismus erkennen. Eine große Bewunderung hegte er für den Berliner Porträtisten Leo von König. Sein Erfolgsrezept war aber eine ganz eigene Malweise, eine charakteristische Handschrift mit der er über Jahrzehnte hinweg jedes Motiv individuell erfasste, sozusagen „aus sich selbst heraus“. Er besaß ein breites maltechnisches Repertoire. Die Leichtigkeit, die die meisten seiner Werke ausstrahlen, kommt durch eine lockere Malweise aus spontanen groben Pinselstrichen und dickem Farbauftrag, den er oft mit einer Spachtel modellierte, zustande. Bei einer solchen Malpraxis wurde die in der letzten Woche vorgestellte Mal-, bzw. Mischpalette wahrscheinlich verwendet. Darüber hinaus schätzte Stein aber auch die Aquarell- und Temperatechnik, sowie Bleistift-, Ölkreide oder Rötelzeichnung.

Ein „allgemeingültiges Rezept“ für ein gutes Werk existiert eben nicht. Wenn man Gottfried Stein nach einem solchen fragte, antwortete er „Nicht ich male, sondern es malt“.

Abb.1: Gottfried Stein porträtiert Otto Hahn, 1966; Abb. 2: Gina Wurm, Pastell, 1950er Jahre; Abb.3: Eberhard Müller-Elmau, Öl auf Leinwand, 1985

Zitate oben: Schaefer, Kurt-Peter, Ausst. Kat. Städtisches Museum Göttingen, 1990.

 

(Izabela Mihaljevic, wiss. Volontärin)